Amy Shimshon-Santo and Genevieve Kaplan

When it is your game, you make the rules, everything comes easy. All your friends are in key positions so when you decide you don’t want to play anymore you never leave empty handed. . . . Well, it’s not your game. You didn’t make the rules. So everything comes hard. . . . A select few of us will do well. The majority will not. . . . But stop, let’s take a moment, and look at yourselves. There is nothing minor about you. You are a blessed people. I would like to ask one favor of you. Imagine what we’ll all be like in our own game.

-Prince, Acceptance speech, Artist of the Decade Award for Extraordinary Artistic Achievements - Male, Soul Train Music Awards, 2000.

Culture and the arts bring joy, wonder, and exaltation to our lives. Creative expression illuminates the experience of being human. Thoughtful stewardship of culture and the arts can enhance society by strengthening our connections to each other and to the land. This arts management book was born during a radical break accelerated by a global pandemic and widespread repudiation of white supremacist patriarchy. What exactly is the business of no-business-as-usual? The ethical challenge for arts management is more complex than simply asking how to get things done. We must also ask: who gets to do things, where, and with what resources? Our task is to decolonize arts management.

Et Al. contributes to the conversation about arts and cultural management by providing rare, behind-the-scenes insights into justice-centered arts management praxis. Praxis means ideas (or theory) tied to action (or practice). Et Al. imagines kaleidoscopic possibilities for the stewardship of culture and land as decolonizing practices. The book became a space for people to publicly reflect, write, and share insights about their own ideas and ways of working. Its polyphonic voices speak to pragmatic strategies for arts management across cultures, genres, and spaces. Its stories are told from the perspective of individuals and families, micro businesses, artist collectives, and civic institutions. As a digital publication, the platform lends itself to multi-media knowledge objects. The experiences documented within it include ethnographies, qualitative social research, personal and communal manifestos, dialogues between peers, visual essays, videos, and audio tracks.

Fostering Creative Spaces and Experiences

Arts administration aims to foster creative spaces for individuals and communities to generate and share creative experiences. Poet Luis J. Rodriguez wrote:

Art is the heart's explosion on the world. Music. Dance. Poetry. Art on cars, on walls, on our skins. There is probably no more powerful force for change in this uncertain and crisis-ridden world than young people and their art. It is the consciousness of the world breaking away from the strangle grip of an archaic social order.

Justice-centered arts management praxis must reject hegemonic systems of hoarding wealth and power by the few. Audre Lorde wrote that the “master’s tools will never dismantle the master’s house.” Her provocation suggests multiple tools and spaces for liberation. We see the voices in Et Al. as the architects of futures, an endeavor that Arturo Escobar might call transition design. In arts management, transition design would include truth telling, consciousness raising, and community organizing to activate the social transformation Rodriguez calls “the heart’s explosion on the world.” In practice, arts administration attends to the back-end work of production and operations in theaters, museums, community centers, and galleries; its scope includes the logistics of business formation and maintenance, fundraising, operations, marketing, program creation, and evaluation, as well as public policy and advocacy. We speak to the nuts and bolts of doing business as individual artists or collectives, through nonprofit organizations or mission-driven enterprises.

Personal and community self-determination are the best guides for cultural production. The art sector is distinguished by symbolic attributes and “produces outputs that are at least partly controlled by cultural producers, or artists” themselves. The current state of economic hyper-inequality exists alongside changes in technology that privilege gigantic global tech companies. People are also relying more and more on technology to access and share creative experiences or content. While being "wired" in this way has had positive outcomes for access (such as this book!), it has also contributed to mental health problems, addictions, and algorithmic injustice. Teshome Gabriel wrote that we must be attentive to how “unacknowledged demons from the past continue to haunt the digital revolution.”

Historically, the management of arts institutions has been anchored in deep structures of racism, wealth, and empire. Generating cultural equity requires radical shifts in participation, curation, investments, and accountability. Something is terribly wrong if resources dedicated to the arts coagulate in white-run spaces, and if the circulation of cultural experiences fails to generate revenue for artists and communities themselves. Artists often generate revenue through project-based activities in what is termed the gig economy. While this provides flexibility, it also offers no safety net for cultural workers. Simultaneously, the persistence of racism and patriarchy limits the potential of cultural equity.

The best supports for the most vulnerable cultural workers include economic structures for community self-determination, affordable housing and studio space, public education (including reducing or eliminating student indebtedness), wellness, and access to healthcare. Community-based arts administration is distinguished by intergenerational mentorship and facilitating ecologies that cherish culture and place. Carlos Fuentes wrote that we must reimagine the past and remember the importance of futures. The contributors to this volume do so; they critique, they expose, and they experiment with new ways of working.

Streams of Exponential Power

The contributors to this volume approach challenges and opportunities in novel ways. The experiences they provide range from jumpstarting micro businesses to revealing BIPOC family and community legacies of leadership, from generating mutualist collectives to queering data, They tell stories of working within—and apart from—civic agencies to expand equitable access to capital and creative experiences.

Et Al. highlights local endeavors, alongside communities that cross boundaries in diasporic and transnational ways. Language, arts, and culture are ancient and evolving knowledge systems. We encouraged polylingual Et Al. contributors to include multiple languages in their offerings. As a result, some of the pieces include translations into a second language (English, Spanish, Mandarin) or terms and concepts in mother tongues (Diné, Gujarati, Nahuatl, Hñähñu). We purposefully do not italicize words in the bilingual pieces with the aim of validating both languages equally. The pieces that are titled in more than one language include full translations.

The works in Et Al. enhance accessibility through different modalities: narrative, audio, visual, and moving image. Digital open-source publishing is a format that naturally supports highlighting connections, amplifying voices, and making visible the types of work that are more often hidden from academic view. Without the limit of the traditional printed page, Et Al. makes literal the many figurative connections, links, and assertions that support our contributors’ ideas. In these digital pages, readers encounter an artist’s name, and the URL link allows for immediate exploration of that artist’s work. A digital essay thus becomes a multimedia experience, immersing readers in the sounds and sights of the work being described while they receive critical frameworks that enhance its relevance. Even Et Al. highlights a moment in time for the arts managers and ideas included here, the Illinois Open Publishing Network (IOPN) provides enduring access for readers to experience the book across digital platforms, as well as a continuous connection to real-world references that showcase the persistent relevance of polyphonic voices and ideas. 

The preface to the book by, Gerlie Collado (“Using Our Superpowers: Dismantling Exclusion and Racism in Arts Management”), calls for new visions of inclusive arts administration that centers family, community, and social movements. Collado writes: 

Despite feeling invisible in arts and cultural organizations, arts and creativity were integral to my upbringing and made me feel like a whole person; this is a feeling that we all deserve, no matter our background. Being erased and ignored by public-serving arts institutions contrasted my rich experiences with art among my family and community.

Stream²

Michaela Shirley and Kayla Jackson (“Shí Yázhí: 'there is money underneath your fingers'”) open Stream² with an essay that outlines a Diné-centered framework for arts management. Guided by the concept of Hózhó, or balance and harmony with the world around you, the authors envision cultural and land management rooted in their grandmothers’ wisdom. They announce that “Diné artists have much to offer the creative world.” Karina Esperanza Yanez (“Taking it Virtual: Community-Based Arts Education Programming”) founded Greetings From South Central Los Angeles (Greetings), an arts education micro-business by and for local residents. In her essay, she reflects on the growth of Greetings, introduces readers to her neighborhood, and provides lessons learned from adapting to digital instruction during the pandemic. Robin Sukhadia (“A Suit and Tabla: Lessons on Art Leadership”) discusses how a traditional artist found fulfillment in his creative practice that lead him toward a fulfilling and unexpected lifestyle that blends art-making and economic change. Sukhadia sees artists as “playing a central role in rebuilding culture” both during and after the pandemic, but he also suggests that artists are well qualified to create philanthropic change. Allen Kwabena Frimpong (“Creating Space for Black Artists to Thrive: A Multimedia Manifesto for ZEAL”) describes how ZEAL is forging a principled movement towards cultural and economic enfranchisement in which Black artists assert control over the creative process and their means of production. ZEAL’s multidisciplinary collective includes visual art, literature, poetry, music, theater and fashion design, and their social manifesto offers an example of the power of collaboration.

Stream³

Abe Ferrer (“The Womxn Who Saved VC”) recounts the catalytic impact of Linda Malabot and Nancy Araki, inspirational examples of Asian Pacific Islander (API) women's leadership in the arts and culture. Malabot and Araki took the helm of Visual Communications (VC), a significant media and arts organization, leading to its resilience and securing its longevity. Ferrer offers detailed examples and historical evidence of their leadership, revealing Malabot and Araki’s positive influence on the many artists, cultural workers, and audiences who continue to benefit from VC’s transformative programming. Julie House Adams (“Reimagining African American History Through Prosthetic Memory and Family Artifacts”) uses personal archives to challenge racist narratives and advocate for alternative curation of stories in film, museums, and cultural spaces. Her family’s story, from the period of Reconstruction in the United States (1863-1877), demonstrates how cultural producers and institutions could present expansive narratives honoring Black ingenuity. She imagines roles for artists, public historians, and museums to curate and circulate accurate prosthetic memories about Black lives. Sean Cheng (“New Approaches to Preserving Chinese Antique Porcelain”) tells the story of how an online transnational Chinese museum uses novel strategies to connect contemporary audiences with ancient artworks. These strategies have increased contemporary interaction with ancient Chinese ceramic technologies, inspired new creative practices, and improved awareness of Chinese history, aesthetics, and artistry. For Cheng, the act of cultural preservation is not a passive enterprise; rather, it invites interaction, invention, and vibrant futures.

Stream⁴

Yvonne Farrow (“White Space / Black Space + Occupational Hierarchy = Racial Battle Fatigue”) presents a report informed by original qualitative data: extensive surveys, a focus group, and open-ended interviews with members of the Los Angeles Association of Black Personnel. Her work centers the experiences of Black civic leaders in the workplace. First person stories are used to inspire anti-racism in spaces of civic leadership. Cobi Krieger and Tatiana Vahan (“The Process is the Goal: A Candid Discussion about Research in the Arts”) offer a critical discussion about the value, ethics, and possibilities of research informing arts administration and cultural policy. Along the way, they envision research as an embodied practice that shines light on people’s lives as creative beings rather than as static data points. Katrina Sullivan (“From Observer to Researcher”) shares a personal reflection detailing her evolution from witnessing a social issue she wanted to impact to co-developing a research study to inspire action in the arts (Maudlin and Sullivan, 2020). Sullivan examines equity through the lens of disability, and champions accommodations for differently-abled arts aficionados. 

Stream⁵ 

Danielle Hill (“The Fire in Time: Black Women Leading Arts Institutions in the 21st Century and Beyond”) is a Generation Z arts manager who writes a personal manifesto demanding broad horizons for Black women’s leadership in arts and culture. Hill contrasts personal legacies of leadership within her family to the exclusionary tactics employed in white-dominated arts institutions. Hill envisions Black women holding authority in the management of art spaces, and her advocacy feels personal, bold, and necessary. Hill also designed the contributor portraits that grace this book. Cynthia Martínez Benavides and Delia Xóchitl Chávez interview Erika Karina Jiménez Flores (“Textos Textiles/Texts Textiles”) and share a video with bilingual transcripts in Spanish and English. In this multimedia piece, Flores discusses her work with indigenous women’s weaving circles and shares how she has negotiated indigenous and mestizo spaces as a designer. The interview is filled with unique provocations and insights about design, weaving, women’s lives, generosity, caregiving, and higher education cultivated from her experience as an indigenous designer, weaver, and community artivist. Cailin Nolte (“Community, Creativity and Catastrophe: A Freirean Approach to an Arts Sector in Crisis”) turns to Paulo Freire and Augusto Boal for inspiration while seeking a radical response to the pandemic and the prevalence of racial injustice. She considers how the arts sector can better contribute to public health and the well-being of society. Nolte tells us "that a lack of diversity, equity and inclusion in our workplaces, our programming, and our canon is . . .threatening the resilience and sustainability of the sector as a whole.” Sharing compelling examples of participatory performance in Singapore and Los Angeles, she seeks strategies for resilience through which performing arts can contribute to a healthy, just, and equitable society. 

Stream⁶

Loreto Lopez (“Interaction and Accessibility in Public Art Maps”) studies access to public art through the lenses of technology, digital mapping, and equity. She writes that “if the purpose of public art is to enliven a city and enrich the lives of its citizens, how can this purpose successfully be accomplished when not everyone is given equitable resources to engage?” Lopez declares that the mission of the next generation of arts managers must be to “creat[e] an inclusive and equitable environment.” Her work reveals how access to digital spaces is restricted by the digital divide, and proposes solutions to enhance participation of BIPOC, low income, and differently-abled communities in public art in the city of Glendale, California. Lopez’s essay appears in both English and Spanish thanks to a translation by Carmen Lopez. Christy McCarthy (“Thirsting for the Written Word”) follows her love for writing into working as an editor and “advocate for the written word” with the nonprofit organization 826LA. Over the course of McCarthy’s essay, she discovers the delight she takes in the role of an editor, amplifying the creative voices of middle- and high-schoolers through the format of chapbooks and zines. Her service as an editor for young voices reinforces her dedication to the power of the written word as an “invaluable part of the human experience.” Janice Ngan and Britt Campbell (“Archival Re-Imagining Through Sound: Versos y Besos Amplifies the Story of Manuela Garcia”) discuss a sonic community project that amplified the memory of culture bearer Manuela C. Garcia in the public imagination. Their work responded to an initiative to amplify BIPOC women’s histories at the Autry Museum, and they share how sonic storytelling transformed inert artifacts into renewed living stories. In their conversation, Ngan and Campbell describe the Versos y Besos project and show how their archival dive into “sound would reveal a culture bearer with stories waiting for texture.” The larger implications of asking—and answering—the question “who gets to author history?” are helpfully explored as the authors share how they’ve leveraged the wisdom of collaborators across various communications technologies to connect artists, audiences, art spaces, transportation hubs, and libraries to celebrate one woman’s story. 

This digital collection presents a living, interactive landscape for readers, thinkers, and creators. Et Al. celebrates new possibilities in arts management by highlighting—both within and beyond these pages—ideas and action. The book discusses imaginative ways of working toward cultural equity in praxis, and is an invitation for further imagination, conversation, and connection.

Siempre Eramos Fabulosxs

Nota Editorial: La intención de la traducción es acercarnos. El acto de traducir va más allá de un esfuerzo lingüístico. Lo que buscamos es la comprensión mutua que varía en tiempo y espacio. A través de la traducción, aprendemos cosas nuevas en el encuentro de términos e ideas. Por ejemplo, BIPOC es un término que se usa actualmente en los Estados Unidos cuando desea referir a todos los que han sufrido la supremacía blanca. Es un término unificador que no reemplaza las formas individuales en que identificamos nuestras culturas, orígenes y etnias.

Introducción traducido por Cynthia Martínez Benavides.

Cuando es tu juego, tú haces las reglas, y todo marcha bien. Todas tus amistades están en posiciones clave, y si de pronto decides que ya no quieres jugar más no te vas con las manos vacías…Pues bien, éste no es tu juego. Tú no hiciste las reglas, por lo tanto, es más difícil. A algunos de nosotros nos puede ir bien. A la mayoría no les sucede esto… pero paremos, vamos a tomarnos un minuto para mirarnos. No tienen algo por lo cual valgan menos. Son personas que han sido bendecidas. Quiero pedirles un favor a todos ustedes. Imaginen cómo sería todo si nosotros hiciéramos nuestro propio juego.

- Prince, Discurso al recibir el Premio por ser el Artista Masculino más destacado de la Década, Soul Train Music Awards, 2000.
 

Las artes y la cultura aportan alegría, sorpresa y dignifican nuestras vidas. La expresión creativa ilumina la experiencia del ser humano. La administración concienzuda de las artes y la cultura pueden enaltecer a la sociedad al fortalecer los vínculos no solo entre nosotros sino con la tierra. Este libro sobre administración de proyectos artísticos y culturales nace durante el paro al que fuimos obligados a consecuencia de la pandemia global, simultáneamente a esto se extendía el rechazo hacia el patriarcado de supremacía blanca. ¿A qué puede uno referirse cuando se desea emprender algo tratando de que rompa-con-todos-los esquemas? El reto ético para la administración de las artes es mucho más que solamente aprender a cómo deben hacerse las cosas. La pregunta obligada es: ¿quién logra hacer cosas, donde y con cuáles recursos? Nuestra tarea es concebir culturas que no se aniquilen a sí mismas, y mucho menos al planeta.

Et Al. contribuye al diálogo acerca de la administración de proyectos artísticos y culturales al ofrecer reflexiones poco comunes sobre la praxis artística “tras bambalinas” centrada en la justicia y cómo ésta puede gestionarse. Nos referimos a praxis como la combinación de concepto (teoría) vinculado a la acción (práctica). Et Al. imagina un caleidoscopio de posibilidades para la administración de la cultura y la tierra desde las prácticas decoloniales. El libro se convirtió en un espacio para que quienes participan en él compartan públicamente sus reflexiones, su escritura y su visión sobre sus ideas y su forma de trabajar. Un conjunto polifónico que se dirige a la administración de los proyectos artísticos y culturales desde estrategias que involucren la perspectiva de la cultura, el género y el espacio-territorio.  Las historias son narradas desde la perspectiva individual y familiar, desde las microempresas, colectivos artísticos e instituciones cívicas. Al ser una publicación digital, la plataforma es amigable con una serie de objetos de aprendizaje que incluyen narrativa, formatos sonoros, dispositivos visuales e imagen en movimiento. Las experiencias incluyen etnografías, estudios sociales cualitativos, manifiestos individuales y comunitarios, diálogos entre pares, ensayos visuales, videos y pistas sonoras.

Alentar Espacios y Experiencias Creativas

La administración de proyectos artísticos y culturales se encarga de crear y promover espacios para desarrollar la creatividad tanto de forma individual como comunitaria y de compartir experiencias creativas. El poeta Luis J. Rodríguez escribe:

El arte es la explosión del corazón en el mundo. Música. Danza. Poesía. Arte sobre los coches, sobre los muros, sobre nuestras pieles. Probablemente no existe una fuerza de cambio más poderosa en este mundo incierto y plagado de crisis que la juventud y su arte. Es la conciencia del mundo que trata de fugarse del orden social arcaico que lo ahoga.

Este libro rechaza a los sistemas hegemónicos que acaparan la riqueza y el poder en manos de unos cuantos. Audre Lorde escribió que “las herramientas del amo nunca destruirán la casa del amo.” Su provocación sugiere multiple herramientas y espacios de liberación. Podemos apreciar en las voces reunidas por Et Al. a los arquitectos de futuros posibles, un esfuerzo al que Arturo Escobar nombra diseño transicional. En la administración artística, el diseño transicional podría incluir a la narración de verdades, la crianza de la conciencia, y la organización comunitaria para activar la transformación social a la que Rodríguez llama “la explosión del corazón en el mundo.” En la práctica, la administración de las artes se ocupa desde la puerta trasera del trabajo de producción y operación en teatros, museos, centros comunitarios, o galerías; su rango de acción incluye hasta la logística de la formación de negocios y el mantenimiento, la gestión de fondos, la operación, el marketing, la programación y evaluación, así como las políticas públicas y la reivindicación de derechos. Estamos hablándoles desde las herramientas básicas del hacer negocios tanto con artistas individuales o colectivos artísticos, organizaciones sin fines de lucro o empresas impulsadas por una misión.

La autonomía sea personal o comunitaria resulta la mejor guía para la producción cultural. El sector artístico se distingue por sus atributos simbólicos y “que sus resultados al menos están controlados en parte por los propios productores artísticos y los artistas.” El estado actual de hiperdesigualdad económica existe junto a los cambios tecnológicos que privilegian a las grandes corporaciones. Las personas están dependiendo más y más en la tecnología para acceder a más espacios y compartir en ellos tanto contenido como experiencias creativas. Estar conectados de esta forma ha tenido resultados positivos en cuanto a estas nuevas maneras de encontrarse (este libro es el resultado de ello), pero también ha contribuido a problemas de salud mental, adicciones e injusticia algorítmica. Teshome Gabriel menciona que debemos estar atentos a como “los demonios de la falta de reconocimiento del pasado rondan ahora la revolución digital.”

Históricamente, la administración de instituciones artísticas ha estado demasiada vinculada con las estructuras profundas del racismo, la riqueza y el imperialismo. Generar equidad cultural requiere cambios radicales en la participación, curaduría, inversión y administración. Si el intercambio y la circulación de experiencias falla en generar ingresos para los propios artistas, y los recursos destinados a las artes se concentran en los espacios gestionados desde la “blanquitud” hegemónica, algo está terriblemente mal.

Los artistas han encontrado formas alternas de generan ingresos a partir de fuentes colaborativas que, gestionando proyectos a corto plazo, se conoce como gig economy. Mientras este modelo proporciona flexibilidad, es carente de una red de seguridad para los trabajadores de la cultura. Simultaneamente la cultura de la equidad se ve limitada tanto por el racismo como por el patriarcado. Los apoyos económicos más relevantes para los trabajadores culturales de sectores vulnerables incluyen el prestar atención a las estructuras económicas comunitarias de autonomía, ofrecer rentas accesibles de espacios para vivir y trabajar (estudios), la educación pública (incluye la reducción o eliminación de las deudas estudiantiles), bienestar y acceso al servicio médico. La administración artística en las comunidades BIPOC (personas negras, indígenas y de color, por sus siglas en ingles) se distingue por constituirse enraizada en lo comunitario, con un sistema de tutorías, generando un sistema ecológico situado localmente en consonancia con su cultura. Carlos Fuentes escribió que debemos recordar la importancia del futuro y reimaginar el pasado. Los que participan en este volumen también lo hicieron; critican, exponen y experimentan con nuevas formas de trabajo.

Corrientes de Poder Exponencial

Los participantes en este volumen abordan de forma novedosa los retos y las oportunidades. Las experiencias que nos comparten conforman un amplio rango desde el arranque de microempresas culturales, legados de liderazgo en familias de comunidades BIPOC, generación de colectivos mutualistas a investigación social desde la óptica queer, o el trabajo de re-agenciamiento para expandir el acceso equitativo al capital cultural y la experiencia creativa. Et Al. quiere destacar los esfuerzos locales junto a las comunidades que cruzan las fronteras de la diáspora y lo trasnacional. La lengua, el arte y la cultura son sistemas de conocimiento ancestral en permanente evolución. Alentamos a nuestros colaboradores multilingües a que incluyeran distintas lenguas en sus presentaciones. Como resultado algunas de las obras incluyen traducciones en un segundo idioma (Inglés, Español, Mandarín) o terminología o conceptos de sus lengua materna (Diné, Gujarati, Náhuatl, Hñahñu).En las piezas bilingües no se ponen palabras italizadas a propósito, con el fin de validar ambas lenguas por igual. Las piezas tituladas en más de un idioma incluyen traducciones completas.

Las obras en Et Al. acrecientan la accesibilidad a través de diversas modalidades: la narrativa, lo sonoro, lo visual y la imagen en movimiento. Las publicaciones digitales de fuente abierta promueven este tipo de interconexiones, amplifica voces, visibilizando distintas formas de trabajo no tan notorio desde la óptica académica. Al no contar con la limitante página impresa, Et Al. convierte en figura literaria muchas de los contactos, vínculos y afirmaciones que apoyan las ideas y conceptos de los participantes. En estas páginas digitales los lectores al encontrar la mención de un artista podrán seguir a una url que le conectará con el sitio donde puede ampliar su conocimiento del artista y su obra.  Un ensayo digital se convierte así en una experiencia que sumerge a el lector al rodearlo de los sonidos e imágenes dela obra que está siendo descrita, al tiempo que le es proporcionado un texto para enmarcar dicha experiencia. Si bien las obras en Et Al. hacen referencia a un momento específico en el tiempo que los administradores de arte y la cultura nos comparten a través de sus ideas, la Red de Publicaciones de Código Abierto de Illinois (IOPN por sus siglas en inglés) nos permite el acceso permanente, y fácil a quienes quieran tener la experiencia ampliada del libro  mediante sus plataformas digitales, al igual que proveer referencias importantes que respaldan al conjunto polifónico de voces reunidas gracias al poder del internet.

En el prefacio de su libro la autora Gerlie Collado (“Usar nuestros Superpoderes: Desmontar la exclusión y el racismo en la administración de las artes”) nos invita a desmontar el racismo que se da en el ámbito de la administración artística y alinearnos con el entorno familiar, comunitario y los movimientos sociales. Collado escribe:

“A pesar de sentirme invisible en las organizaciones culturales y el medio artístico, arte y creatividad fueron parte de mi educación y me consolidaron como una persona íntegra; desearía que esta sensación la tuvieran todos sin importar su origen. La experiencia de ser borrada e ignorada por las instituciones culturales públicas contrasta con las experiencias valiosas entre mi familia y mi comunidad” (Collado 2021).

Corriente²

Michaela Shirley y Kayla Jackson (“Shí Yázhí: ‘tienes dinero bajo tus dedos’”) abren Corriente² con su ensayo que delimita un marco para la administración artística centrado en el pueblo Diné. Se guían por el concepto Hózhó, que se refiere a estar en equilibrio y armonía con el entorno, las autoras visualizan la administración de la cultura y el territorio enraizado en la sabiduría de sus abuelas. Anuncian que "los artistas Diné tienen mucho que ofrecer al mundo creativo." Allen Kwabena Frimpong (“Crear el espacio para que los artistas negros prosperen: el manifiesto multimedia de ZEAL”) describe como ZEAL contribuye a forjar un movimiento de emancipación cultural y económica donde los artistas negros logran desarrollar sus procesos creativos y sus medios de producción. El colectivo multidisciplinario de ZEAL incluye a las artes visuales, literatura, poesía, música, teatro y diseño de modas, su manifiesto social es un ejemplo vivo del poder de lo colaborativo. Karina Esperanza Yanez (“Tomar lo virtual: Programar la Educación Artística Comunitaria”) fundó Saludos desde el Centro Sur de Los Ángeles (Greetings). En este ensayo analiza el crecimiento de Greetings como una empresa especializada en la educación artística dirigida a los residentes locales. Yanez facilita la entrada a mediadores de lectura en su barrio, y comparte su experiencia de cómo adaptó sus lecciones durante la pandemia. Robin Sukhadia (“Un traje y una tabla: Lecciones de liderazgo artístico”) aborda como fue que un artista de la tradición encontró plenitud en su propia práctica artística que lo dirigió hacia un estilo de vida inesperado que combinaba el hacer arte y el cambio económico. Sukhadia considera que los artistas “juegan un rol central en la reconstrucción cultural” durante y después de la pandemia, sin embargo sugiere que los artistas están calificados para crear un cambio en la filantropía.

Corriente³

Abe Ferrer (“Lxs mujerxs que salvaron VC”) hace un recuento del impacto que Linda Malabot y Nancy Araki ejercen en el arte y la cultura al ser ejemplos de liderazgo de mujeres originarias de las Islas del Pacífico Asiático. Malabot y Araki han guiado el timón de VC, Comunicaciones Visuales, una organización importante en el campo de las artes y la comunicación, para garantizar su longevidad y su capacidad de resiliencia. Ferrer nos ofrece una amplia gama de ejemplos y evidencia histórica que detallan la influencia del liderazgo que Malabot y Araki ejercieron sobre varias artistas, trabajadores de la cultura y audiencias consiguiendo un impacto positivo en la programación de VC. Julie House Adams (“Re-imaginar la Historia Afroamericana mediante la memoria prostética y los objetos familiares”) utiliza los archivos personales como desafío contra las narrativas racistas y como cura alternativa de las historias en el filme, los museos y espacios culturales.  A través de su historia familiar, que se remonta al periodo de Reconstrucción en Estados Unidos (1863-1877), ejemplifica como instituciones y productores de cultura reproducen narrativas que enaltecen la ingenuidad Negra. Ella está buscando papeles para artistas, historiadores y museos para que “curen” y circulen historias prostéticas más cercanas a las vidas de los negros. Sean Cheng (“Nuevas aproximaciones sobre la conservación de la porcelana China antigua”) nos cuenta como es que un Museo Chino hace uso de nuevas estrategias en línea para tener un alcance transnacional y conectar obras de arte antiguo con las audiencias contemporáneas. Como resultado es una relación interactiva entre las técnicas de la cerámica antigua China, que inspira a los nuevos artistas, promueve la historia de China, su estética y su arte. Para Cheng, el acto de la conservación del patrimonio cultural no es un campo pasivo; sino que invita a interactuar e inventar vibrantes futuros.

Corriente⁴

Yvonne Farrow (“Espacio Blanco/ Espacio Negro+ Jerarquía ocupacional = Fatigante batalla racial”) presenta un reporte que se obtuvo mediante datos cualitativos originales—que incluyen panoramas extensos, un grupo focal, entrevistas con preguntas abiertas— a miembros de la Asociación de Personal Negro de Los Angeles. El trabajo se enfoca en las experiencias que comparten los líderes cívicos de la negritud en sus espacios laborales. Las historias que son narradas en primera persona buscan inspirar ambientes anti-racistas en espacios de liderazgo ciudadano. Cobi Krieger y Tatiana Vahan (“El proceso es el fin: Una Discusión Sincera Sobre la Investigación en las Artes”) nos ofrecen una discusión crítica sobre el valor, la ética, y las posibilidades de hacer investigación en el campo de la administración artística y la política cultural. En su trayecto, vislumbran a la investigación como una práctica encarnada que puede servir como una luz para apreciar la vida de las personas como seres creativos más allá de los datos estadísticos. Katrina Sullivan (“De Observadora a Investigadora”) nos comparte una reflexión personal sobre como se transformó de atestiguar un problema social al cual buscaba impactar con sus acciones hasta ser la desarrolladora mediante una coautoría de una investigación que inspiró una acción en las artes (Maudlin and Sullivan, 2020). Sullivan examina el concepto de equidad a través del lente de la discapacidad y promueve alojamientos especiales para aficionados del arte con capacidades diferentes.

Corriente⁵ 

Danielle Hill (“El Fuego en el Tiempo: El Liderazgo de las Mujeres Negras en las Instituciones Artísticas del Siglo XXI y más allá”) es una emprendedora artística de la Generación Z que escribe un manifiesto personal en el que exige ampliar el horizonte para las mujeres negras en el arte y la cultura. Hill contrapone el legado de liderazgo que ha heredado de su familia con las tácticas de exclusión que emplean las instituciones artísticas desde la blanquitud. Hill avizora a las mujeres negras detentando un lugar destacado en la administración de espacios artísticos y su defensa de esto se siente personal, audaz y necesario en estos tiempos. Hill fue quien diseñó los retratos de quienes participan en este libro. Cynthia Martínez Benavides y Delia Xóchitl Chávez entrevistan a Erika Karina Jiménez Flores (“Textos Textiles”) y comparten un video con transcripciones en español e inglés. En esta obra multimedia, Erika Karina Jiménez Flores aborda el trabajo que realiza con mujeres indígenas en círculos de bordado y nos comparte como ha tenido que negociar sus intereses entre espacios indígenas y mestizos para desarrollarse como diseñadora. Esta entrevista está llena de provocaciones sobre lo que es el diseño, el tejido y el bordado, la vida de las mujeres, la generosidad, los cuidados y la educación superior, que ella recoge de su trayectoria como diseñadora indígena, tejedora y artivista comunitaria. Cailin Nolte (“Comunidad, Creatividad y Catástrofe: Una Aproximación desde Freire al Sector Artístico en Crisis”) retorna a Paulo Freire y Augusto Boal para inspirarse mientras busca una respuesta radical a la pandemia y al predominio de la injusticia racial. Ella considera cómo el sector artístico puede contribuir a una mejora en la salud pública y el bienestar en la sociedad. Nolte nos comenta, “Una falta de diversidad, equidad e inclusión en nuestros ámbitos laborales, nuestra programación y nuestro canon… está poniendo en peligro a la sustentabilidad y resiliencia del sector en su integridad”. Al compartir ejemplos convincentes de performance participativa en Singapur y Los Angeles, busca estrategias para la resiliencia donde las artes escénicas contribuyen a fomentar una sociedad saludable, justa y equilibrada.

Corriente⁶

Loreto López (“Interactividad y acceso en los mapas de arte público”) estudia cómo se puede acceder al arte público a través del lente de la tecnología, el mapeo digital y la equidad. Ella escribe “si la intención del arte público es animar a la ciudad y enriquecer la vida de sus ciudadanos, ¿cómo puede realizarse este propósito cuando los recursos para que las personas se comprometan con ello no se dan de una forma equitativa?” López considera que la misión de las generaciones futuras de administradores de las artes y la cultura debe ser la de crear “un ambiente equitativo e incluyente con de las comunidades BIPOC, de bajos recursos y de capacidades divergentes al arte público de la ciudad de Glendale. El ensayo de López aparece en español e inglés gracias a la traducción de Carmen López. Christy McCarthy (“Sedientos por la Palabra Escrita”) da cauce a su gusto por la escritura al trabajar como editora y “defensora de la palabra escrita” con la organización no lucrativa 826LA. Al seguir el curso de su ensayo, McCarthy nos revela el gusto y el honor que ella vive con el papel de editora, extendiendo las voces creativas del estudiantado de educación media y superior a través de las publicaciones de fanzines y hojas volantes. Su servicio como editora de voces juveniles refuerzan su compromiso con la palabra escrita como una “parte invaluable de la experiencia humana.” Janice Ngan y Britt Campbell (“Re-imaginar los Archivos a través del Sonido: Versos y Besos amplifican la historia de Manuela García”) dialogan sobre un proyecto comunitario desde lo sonoro que difunde la memoria del ícono cultural Manuela C. García en el imaginario colectivo. Su trabajo respondía a la iniciativa de difundir las historias de las mujeres de comunidades BIPOC en el Museo Autry, en donde se mostró como la narrativa oral transformó los artefactos inanimados en historias reales. A través de su conversación, Ngan y Campbell describen como el proyecto Versos y Besos a través de su búsqueda archivística invita a que “los sonidos se revelen al mediador cultural como historias en espera de nuevas texturas”. Las amplias implicaciones que tiene el preguntar —y responder— a la pregunta sobre “quién obtiene la autoría de la historia” se explorada amablemente por las autoras que destacan la importancia de como la sapiencia de otros colaboradores en bibliotecas, espacios culturales y demás puede ser conectada y compartida a través de plataformas y tecnologías para celebrar la vida de una mujer.

Esta colección digital presenta un paisaje vivo e interactivo para los lectores, pensadores y creadores. Et Al. celebra estas nuevas posibilidades que ofrece la administración del arte y la cultura al resaltar—tanto al interior de estas páginas como más allá de ellas— ideas y acciones. Este libro discute formas imaginativas de trabajar hacia una equidad cultural a través de la práctica, y es una invitación a seguir conversando, conectando e imaginando.